Sheehan hails from Tipperary where he learned his craft, and he’s been successful on stages throughout the world for many years. Together with his duo partner Cormac Doyle, he performs his own songs, telling timeless tales of love, loss and longing and managing to teach a few Irish song lines in between.

The next set combines Irish tunes played by Mayo native David Munnelly and a band he put together exclusively for the Irish Spring festival: together with Shane McGowan on guitar and young Joseph McNulty on fiddle, he unleashes a tempest of energetic jigs, reels and hornpipes which set the stage for step dancer Andrew Vickers, whose precussive and captive moves are greeted with standing ovations from an enthusiastic audience.

After a break, fêted newcomers Connla from Armagh and Derry in Northern Ireland take the stage. An exciting new band awarded several prizes during their first year, they offer an impressive line-up with siblings Emer and Conor Mallon on celtic harp and pipes, Paul Starrett on guitar, Ciaran Carlin on flute and bódhran player and singer Ciara McCafferty. During their set, it becomes clear why the sextet have been predicted a long and successful career on the Irish traditional circuit. In spite of their young age, all of them are experienced players with enough confidence to depart from traditional paths in pursuit of their genre’s future, a fact that is obvious in their innovative interpretations of old classics and their invigorating original work.

They also offer the dry humour which can be key to connecting with listeners: “If you don’t like our CD, send it to Ciaran. He’ll send you a CD he doesn’t like, and if I see you leaving the venue with our CD, I’ll tell you the story behind the second tune, which is very embarrassing for me”, Conor informs the audience, ensuring a steep climb in sales numbers.

The three groups join for a fast and furious finale during which the Berlin audiences’ famous reservedness has long since been blown away by this fine performance of Irish music and entertainment skills. The German capital city will hopefully become a regular stopover for future editions of the Irish spring festival – especially since many concertgoers expressed some disappointment about the continued absence of a St. Patrick’s Day parade and festival in their city.

Two years after their last album Getting Through soared straight to No. 1 on the Irish charts, The Riptide Movement follow up with Ghosts, their first ever record to be produced in the U.S. by Grammy award winning producer, Ted Hutt. After the remarkable success of its predecessor, the expectations resting upon their new album are high.

The fact that a band who sold out Dublin’s Olympia three times and headlined major festivals present their latest offering in intimate clubs like Berlin’s Musik & Frieden says a lot about the music industry and the challenge of “getting it out there”. Even for a band with a track record of undeniable successes, it’s hard work to warm up audiences to a new record. The phenomenon becomes clear at pretty much every live show when older songs are greeted with cheering, hollering and clapping, while the new ones usually get a more reserved reaction.

The Riptide Movement, however, are a band with an unusual knack for playing live shows, and they fill the place with energy and passion from the very second they burst onto the stage. Their knack for playing live accomplishes the impossible: they manage to keep the enthusiasm of their listeners on a high level throughout the set which mixes the up-tempo chart toppers from Getting Through with songs from the – in Germany still unreleased – Ghosts.

So, does it live up to the expectations? is the obvious question about the follow-up of every huge success. Whether it’s a relevant one is a different story, because it’s a general human trait to stick to what’s familiar and to be wary of what’s new. It also has to be said that Getting Through-tracks like “Animal” or “How Can I Let You Go?” are easy to love and get attached to. With their up-tempo groove, their roots in classical and timeless rock’n’roll tunes and catchy, energetic melodies, they qualify effortlessly as on-every-playlist-on-the-ipod-songs which become the daily soundtrack of jogging rounds or traffic jams on the way to work and back.

Some of the Ghosts tracks are certainly less easy listening – and therefore much more interesting. Unrulier, edgier, at times darker and more reflective, “Skull And Crossbones” or “Elephant In the Room” highlight the journey the album has been for the band as well as the “coming of age” process they doubtlessly went through since their last record. Ghosts exposes a band who are finding their own style more and more, yet never faltered in their fierce determination to know, do and get what they want. Independent band vs. signed artists (Ghosts appears on Universal Records) hasn’t changed that.

Ghosts definitely shows a development. In the music industry, developing and renewal at the risk of not fulfilling preset expectations by keeping on doing the same thing can be daring, but it is also the only chance of long-term survival. Without breaking free from their Alt Country roots on Yankee Hotel Foxtrot (and famously falling out with Warner Records over it), feted Chicago band Wilco would likely be little more than a footnote of early 90s music history today.

Ghosts may not be as radical a breakaway from “the early years” asYHF was for Wilco, but it clearly shows a band finding their way and confidently doing their own thing. While influences are still clearly identifiable on their other three studio albums – and while Ghosts may not surmount its predecessor’s commercial success – the band’s fourth offering has good chances of being remembered as the album setting the stage for “the TRP sound”. Bottom line: maybe not a chart breaker, Ghosts is a winner from a band that could, and judging from their resumé to date will, go much further than they already have.

The Riptide Movement erlebten einen kometenhaften Aufstieg: von der Grafton Street in Dublin schafften sie es bis ins Olympia und nach Glastonbury. Jetzt kehren die vier Musiker nach Berlin zurück, wo sie für ihre hiesigen Fans ein intimes Club-Konzert im angesagten Musik & Frieden geben und dabei Songs von ihrem – in Deutschland noch nicht erschienenen – neuen Album ‚Ghosts‘ präsentieren. Mit Franziska Kast von ICE sprach Frontmann Mal Tuohy über die Zusammenarbeit mit Musiklegenden und seine Liebe zu Live-Konzerten.

F: Herzlichen Glückwunsch zum neuen Studioalbum ‚Ghosts‘, Mal Tuohy! Laut Aussage auf eurer Website spielt ihr seit der “Getting Through”-Tour gern in Deutschland. Gibt es etwas, was ihr den Berliner Fans zu eurer neuen Platte sagen wollt?
A: Danke! Schwer zu glauben, dass ‚Ghosts‘ unser viertes Studioalbum ist. Wir haben es in den Sonic Ranch-Studios in Texas aufgenommen. Ein großartiges Studio, und ein fantastisches Umfeld, die Arbeit dort war für uns alle prägend und hat unser Leben verändert. Produziert wurde es von einer lebenden Legende, dem Grammy-Gewinner und Allrounder Ted Hutt, der schon unser letztes Studioalbum “Getting Through” produziert hat. Es ist ein Album, auf das wir wahnsinnig stolz sind, und ein weiterer Meilenstein in der Entwicklung der Band. Wir können es kaum erwarten, es später dieses Jahr in Deutschland zu produzieren, und wir freuen uns riesig daruf, einige der neuen Songs vor unseren deutschen Fans zu spielen.

F: Ihr habt Stadien ausverkauft, das Glastonbury-Festival gespielt und für Künstler wie die Rolling Stones und Bon Jovi eröffnet – eine beeindruckende Karriere. Für die ‚Ghosts‘-Tour kehrt ihr auf kleinere Bühnen zurück und präsentiert das Album in der intimeren Atmosphäre von Clubs. Wie wirkt sich die Publikumsgröße auf ein Konzert aus? Ist es im kleinen Rahmen einfacher, eine Verbindung zum Publikum herzustellen?
A: Ja, es war schon eine ganz schön rasante Entwicklung, und es gab einige unvergessliche Highlights. Aber wir geben immer unser Bestes, das hat nichts mit der Publikumsgröße zu tun. Wir lieben es einfach, live zu spielen. Natürlich können kleinere Lokale etwas ganz Besonderes sein, und es ist ohne Frage schwierig, diese Intimität auf einer großen Bühne zu erzeugen. Andererseits reicht nichts an die Energie und Euphorie bei einem großen Konzert heran.

F: Wie viele heute große Musiker begann eure Geschichte in den Straßen Dublins. Wie hat sich die Straßenmusiker-Zeit auf eure Liveauftritte und die Herausforderung, vom Musikmachen zu leben, ausgewirkt?
A: Sehr. Diese Zeit beeinflusst uns bis heute. Sie hat uns geholfen, unser Handwerk zu perfektionieren und Selbstvertrauen zu gewinnen. Die Straße ist zwar die härteste, aber auch die beste Schule, und diese Lehrjahre haben uns soweit gebracht.

F: Euer erstes Album wurde von Tony Colton produziert, der durch seine Arbeit mit Legenden wie Rory Gallagher und Ray Charles berühmt wurde. Wie kam es zu dieser Zusammenarbeit? War sie der Durchbruch für euch?
A: Tony ist selbst eine Legende, und es war einfach ein glückliches Zufallstreffen am Flughafen Heathrow. JP, unser Gitarrist, und ich hatten unseren Rückflug nach Dublin verpasst, und während wir auf den nächsten Flug warteten, drehte sich der Mann, der vor uns in der Warteschlange stand, zu JP um und sagte, “Ich mag dein T-Shirt” – JP trug ein Rory Gallagher-Shirt. “Ich habe seine ersten beiden Alben mit Taste produziert, sagte er. JP ist der größte Fan von Rory, aber auch wir anderen lieben ihn. Für uns war Tony eine direkte Verbindung zu der Musik, die uns etwas bedeutet, Bands und Solomusiker wie Heads, Hands and Feet, Ray Charles, Rory Gallagher und The Allman Brothers. Er hat mit allen gearbeitet und gespielt. Später in diesem Jahr kam Tony aus Nashville zurück, um unser erstes Album ‚What About The Tip Jars‘ zu produzieren. Und ja, das war definitiv ein Wendepunkt. Tony hat wirklich dazu beigetragen, dass wir unseren eigenen Sound fanden, und er hat uns in diesen Anfangszeiten sehr geholfen, Fuß zu fassen.

F: Ihr wurdet schon mit Mumford & Sons verglichen. Ist das ein Kompliment, oder eher nicht?
A: Klar haben wir folkige Elemente, vor allem auf unserem zweiten Album ‚Keep On Keepin‘ On‘. Wir hörten uns liebten Dylan, Leonard Cohen, Paul Simon und Nick Drake. Also lautet die Antwort ja, das wäre durchaus ein Kompliment. Ich mag die Mumfords, sie sind eine gute Band. Ich habe sie das erste Mal gesehen, als sie für einen ebenso großartigen Künstler eröffneten, der zur Zeit ihres Durchbruchs in der englischen Folk-Szene sehr präsent war, Johnny Flynn. Hört mal in seinen Song ‚The Box‘ rein!

F: Erfolgreiche Musiker sind heute sehr viel unterwegs. Dabei ist es sicher nicht immer einfach, Zeit und Muse zum Schreiben und Komponieren zu finden. Wie machen Sie das?
A: Das weiß ich ehrlich gesagt gar nicht so genau, ich schreibe einfach so viel ich kann. Normalerweise dauert so ein “Zyklus” aus Album-Kampagne und Tour 18 Monate, und in diesem Zeitraum entstehen natürlich eine Menge Songs und Ideen für Songs. Wenn so eine Periode zu Ende geht, kommen wir alle zusammen und verbringen ein paar Wochen damit zu Jammen und unsere Ideen durchzugehen. Meist beginnt das nächste Album während dieser Zeit langsam Gestalt anzunehmen. Das ist immer ein organischer Prozess.

F: Ihr hattet lange Zeit kein Management und habt alles selber organisiert. Das machen heute viele Musiker und Bands, und sie schaffen sich auch Freiräume für ihre Musik und die anderer, indem sie eigene Labels, Studios und sogar Festivals gründen. Wie sehen eure Pläne aus? Wenn ihr selber ein Festival organisieren würdet, wer würde dort auftreten?
A: Wir haben unsere ersten beiden Alben selber rausgebracht, die jüngsten beiden sind bei Universal erschienen. Es hat beides seine Vor- und Nachteile, die Independent-Schiene ebenso wie die Kooperation mit einem großen Studio. Im Moment sind wir glücklich bei Universal. Ein eigenes Festival – oh ja, da hätte ich große Lust drauf. Wer da spielen würde, schwierige Entscheidung – ich denke da an Bruce Springsteen, die Kings of Leon, U2, Oasis, Blur, Arcade Fire, Sigur Ros, AC/DC, die Rolling Stones…

Tickets für das Konzert am 7. Februar 2017 gibt es hier. Exklusiv bei uns könnt ihr auch Tickets gewinnen: Kartenverlosung mit freundlicher Unterstützung von Milestone Management und Contra Promotion .

Dance Masters! Best of Irish Dance swept away an enthusiastic audience in Berlin’s Tempodrom with a well balanced show of Irish dancing, tunes and songs embedded into a timeless story of love, passion and jealousy – by Franziska Kast, Irish Culture Events Berlin

‚Dance Master‘ Patrick has a lot of foot work to do on the long road to his beloved Kate’s heart. Training a dance company for a show, Patrick falls for the beautiful dancer – who, unfortunately, does not seem to notice, let alone reciprocate his feelings as she’s dating fellow dancer Kevin.

A journey through time

It’s a simple plot, but it sets the scene for a lot of breathtaking performances of energetic Irish tap dance sets in perfect sync. Woven into it is an entertaining cultural history of Irish dancing which developed in close connection with traditional Irish music. The characteristic tap dancing that was made one of Ireland’s most successful cultural exports by shows like Riverdance during the 1990s, however, emerged first during the 18^th century due to the often confined spaces for dancing during a music session.

The Dance Masters! of the time were traveling teachers who brought their knowledge to places all over the island. The audience get a glimpse of those days when Patrick falls asleep after a long day of rehearsing with the company and goes on a journey through time in his dreams. Colourful costumes – which the protagonists change for every scene – plus moves that seem to mock the laws of gravity and a stunning choreography by none less than Richard Griffin of Gaelforce fame all combine into an expressive and performative way of storytelling that would work even without the voice over narration. A large screen ensures that everyone in the large arena gets to follow the dancer’s every move.

Traditional live music

Another highlight of the evening is the six piece live band, whose sets consist of sing-along pub classics like “The Wild Rover” as well as gems of contemporary Celtic music like Dougie MacLean’s touching “Caledonia”. Barry Tierney (Guitar & Vocals), Ciara Murphy (fiddle), Aaron Dolan (Uillean Pipes and Whistle) and their fellow musicians present a bouquet of songs and the traditional jigs and reels whose rhythms lead to the development of the rapid dance steps.

The live music sets provide a welcome counterpoint to the restless, hypnotic clicking of the fiberglass tipped tap shoes without being any less energetic and lively. Music, dancing, beautiful images on the screen and costumes from different centuries are the perfect ingredients for an entertaining evening full of Irish joie de vivre and engaging rhythms and tunes. By the time Patrick finally holds Kate in his arms, the notoriously reserved Berlin audience have warmed up considerably, abandoning their seats to clap and tap along.

The cast of Dance Masters! are not let off the stage without performing several encores, and in the ensuing autograph session, none of them expresses any visible signs of fatigue after over two hours of providing high-energy, high-speed entertainment interrupted only by one short break.

The almost five-month tour of the ensemble continues until April 2^nd, 2017 and guests dozens of venues in the Northern half of Germany. Please see Reset Production’s website for tour schedules and tickets. Looking for the best 2017 Irish dance & music events in Berlin? Irish Culture Events Berlin will continue to find them for you and keep you posted!

Long connection with Germany
In a very Irish way, Kieran Goss has perfected the art of being not only a singer-songwriter, but also an entertainer. The anecdotes and stories he weaves around his songs cross the gap between performer and audience effortlessly. The confidence and skill acquired during many years of touring carries each song of the two sets. Opening the first set with the nostalgic, pensive “One Boy’s Treasure”, things quickly get more up-tempo with “The Reason Why”, which is greeted by clapping, hollering and cheering.

Kieran Goss songs: from experience to “I could have written that”
Kieran Goss’ music is both profoundly personal and universal enough for listeners to relate to his songs. It doesn’t take his specific family background (he has no less than fourteen siblings, several of whom left their home country in pursuit of work and income) to connect to “Reasons To Leave”. “Should I stay or should I go moments” are part of every human life, be it for economic or personal reasons, and it’s not surprising that it’s this song audiences usually know best, as Kieran Goss states. It is also his own favourite, and it fulfills his stated conviction that songs are at their best when they are universal enough for audiences to identify with the emotions they carry and to have a “I could have written that” reaction to them. He ends the first set with “Time To Go Sleeping”, a lullaby he wrote for his niece.

Kieran Goss and Annie Kinsella: a power couple of modern folk
While Kieran Goss jokes that he might have “exaggerated” his stardom in Berlin when talking to Ireland’s RTÉ Radio 1 about playing the “Lichterfelde Arena”, he certainly doesn’t when he describes his special guest for the second set, Annie Kinsella, as a “world class harmony vocalist”. The harmony between them is not restricted to the musical connotation of the word either, but can be felt in every song they perform together, whether it’s the Nashville-inspired “We’ve Got Us” or Rodney Crowell’s emotional New Orleans hymn “Jewel Of The South”.

Before Kieran Goss performs Cole Porter’s “Every Time We Say Goodbye” – one of the many early musical inspirations his large family provided by exposing him to whatever they, respectively, were into – the songs he and Annie Kinsella perform show how connected the couple are as spouses and artists. Almost 20 years on the road together have turned them into a tight musical unit unachieved by most other duos. The comparison with country music’s immortal power couple, Johnny Cash and June Carter is inevitable, and Kieran jokingly refers to himself and Annie as “Johnny and June” – before his wife dryly comments, “more like Sid and Nancy”.

The pair are living the dream, and they know it. Together they have created a powerful bond of music and love inspired by their families, relationship, their adopted home in Sligo on the West Coast of Ireland and the people they meet on their road trips, and they generously share that bond with their audience. Kieran Goss’ shows might not be the “arena” type of live gigs, but his listeners meet one of the most real artists on the folk scene, and that’s what keeps them coming back to what is a sold out live show but feels like a family gathering.

Setlist:
One Boy’s Treasure
The Reason Why
Wall Of Tears
Reach Out I’ll Be There
Reasons To Leave
Smile
Time To Go Sleeping
The Song Of Wandering Aengus – with Annie Kinsella
Jamaica I’m In Love – with Annie Kinsella
Out Of My Head – with Annie Kinsella
We’ve Got Us – with Annie Kinsella
Into Your Arms – with Annie Kinsella
Hand Upon My Heart – with Annie Kinsella
That’s What Love Is For – with Annie Kinsella
Jewel Of The South – with Annie Kinsella
Every Time We Say Goodbye / Song of Bernadette

Interview: Franziska Kast / Danny O’Connor, Irish Culture Events Berlin

Kieran, you lived in Cologne in the past. Does that help to connect you with your German audience?
I was busking in Cologne, yes. I’m into languages, so I did an hour every day of the dreaded German grammar! Together with what I picked up from talking to people, that amounted to a reasonable level. When I came back to Germany years later, I was able to do a lot of TV and radio promo, so I slowly built an audience in Germany, but mostly through touring. Promotion obviously helps but it has mainly been about the live shows.

2016 saw legends like David Bowie, Merle Haggard, Prince and, most recently, Leonard Cohen pass. Who were your earliest musical heroes? Is there anyone you would like to play with today?
Loads. Some are obvious, others aren’t. What inspired me was just great music before I knew the difference. Something internal makes you realize that Willie Nelson means something to you but so does a lot of music. I come from a big family, so I heard loads of music. My father’s traditional Irish music, the Stones from my brothers or the Beatles from my sisters. My two older brothers were into Country. So I was a big Johnny Cash, Willy Nelson and Kris Kristofferson fan. As I was playing the acoustic guitar, I was also drawn to James Taylor and Paul Simon. And my younger brothers were into The Cure and Prince. All of that becomes influence, and that’s brilliant. The challenge is to acknowledge all the influences while working towards your own voice. Some days I’m better at it than others. There are possibilities if you are prepared to work hard. There’s magic out there. But you gotta work to get to it. I love what Leonard Cohen said about songwriting: “If I’m lucky, in a day I’ll get a line.” You’ve got to work towards the magic. And if you get enough of that, you get a legacy of being a writer, or a legacy of being a great performer. And great performers don’t drop onto the planet fully formed.

So becoming a performer or writer is a process?
I toured with Christy Moore for about two years. And I always said to him “God, I don’t know how you do that, that connection with the audience, that ease on the stage!” And he said: “It’s 5.000 shows! That’s what it is! So, go out there and do 5.000 shows!” Once you realize that and start enjoying the journey, you’re onto a winner. It’s commitment, but also seeing the whole picture and that it’s all commitment. The art is in everything around it. It’s the songwriting, the performing, turning it into a lifestyle that feeds you. Annie [Kieran Goss’ wife and fellow performer Annie Kinsella] and I have toured together for 20 years.

What is it like to be both a professional and a private couple? How do the different spheres of your partnership inspire or inform each other?
It’s natural. The most important thing to say is that Annie was an artist before I met her. She’s a great drummer and has played in Funk and Soul bands. She was in an a cappella band called The Fallen Angels, so she’s a world class harmony singer. She was booked to do harmonies on an album I was recording, that’s how I met her. We’ve been together since. But we were being realistic about spending our lives together and being artists. If she’d be off touring for six months, then she’d come home and I’d be off touring for six months, there wasn’t much hope. So it was natural to get on the road together.

So you compliment each other.
We love each other for a start. Love and marriage is often about mutual respect more than anything. And we believe in what we do, which leaves us with a very pure, very honest art form. It’s not contrived, it’s not created to suit a market. I think ultimately, that’s what the world needs now. With the forces at work, people need beauty. And honesty. And art. Things that enrich them rather than take from them. And that’s what we have decided our tour should be. If it’s 15 or 15.000 people, our job is to go out and give as much as we can on that day to those people. And hopefully, that enriches their lives. I would say what people need is for artists to articulate what they feel but haven’t had thirty years of songwriting to articulate. I often feel songs are at their best when people think “God, I could have written that.”

You once said a song shouldn’t be therapy but something more universal. How do you balance personal experience as a source of inspiration and the universality of songwriting?
Experience. You get it wrong. You write songs that sound like a teenager with a guitar in a bedroom. But that’s where you start. Experience then teaches you that just because you wrote it doesn’t mean you have to inflict it on the world. Also, there’s a difference between writing songs for yourself and writing songs to sing to people. If you want a song to touch people, you develop a kind of radar that gives you objectivity from it. Some songwriters are born fully formed. We are all born with different things, and because you are not quite there doesn’t mean you can’t go there. For me, melody is easy, what I have to work for is lyrics. Paul Simon is considered one of the great lyric writers. But he said, “ask someone to sing The Boxer, and they’ll go [sings from The Boxer] “Nah na na, nah na na na na na na…”. The bit that he didn’t write any lyrics for is the hit. Ask someone to sing Hey Jude, and they’ll go [sings] “Nah nah nah na na na na…”. Songs aren’t poems, and they are not tunes, they’re a magic mixture of the two, and sometimes the magic bit is the nah nah nah na na na na.

Is there a particular song you would say changed your life?
Different songs at different times. A thing I realised about songwriting is that it doesn’t have to be ‘out there’. At home, there was a family just down the road from us, The Sands Family, and Tommy and Colum were songwriters. So I realised that I could meet someone who wrote songs while waiting for the bus. It doesn’t have to be on TV or on a record. It was important when that penny dropped: I can write songs… anyone can, it doesn’t have to be someone on the TV. When you can say aloud you’re a songwriter, it’s a big day in your life, as opposed to carrying that secret around for five years. “Here’s one I wrote myself!” You know that famous line? That ownership is important.

You’re co-writing songs with other artists. Can it be difficult to reconcile the ideas and visions of two strong artist personalities?
It can. It doesn’t always work. I spent the first 20 years of being a songwriter writing all songs on my own, and I think that’s the best training. If a young songwriter comes to me looking to co-write, I say “come back in five years, when you’ve written on your own for five years.” But I think co-writing is a good thing. If you want to get good at tennis, play with someone who’s better or who has other skills than you have so you can learn. I think we can all burn out on what we do as artists, and it’s important to find new momentum and new directions all the time. Even when you’re having success you need new inspiration.

Do you find that in Sligo when you’re not touring? What made you choose that region for a home?
We wanted to live on the Atlantic coast and my wife is from that part of the world. The clearest definition of that thing in my head I call Irishness is the west coast of Ireland. Annie and I love cities and meeting people with different backgrounds, but we also love talking to the farmer next door to us. Even after twenty odd years, when we get home we’ll be asked: “how was your holiday?” And we say “well, it wasn’t actually a holiday, we’re musicians, and we’ve been on tour…”. I tried to explain once what that means: a different hotel every night, play a show, sleep, get up, drive to the next town… He stood there, listened and went “aha, yeah, right”, and when we said goodbye he said, “but I’m glad you had a good holiday”. It keeps you in your box. If you begin to believe your own myth, you’re in big trouble.

Your 2009 studio album I’ll Be Seeing You was co-produced by Gabriel Rhodes, son of country singer Kimmie Rhodes who produced not only his famous mother but country giants like Waylon Jennings, Emmylou Harris, Willie Nelson…
Yes, Gabe Rhodes is Kimmie Rhodes son, but although I’ve co-written songs with her, the connection was through Joe Gracey, her husband, who recorded that album. He sadly passed away since, but he was an important person to me. So I met him and Gabe Rhodes in Austin, and I realized Gabe was a wonderful musician. We both had an honest appreciation of each other. We could play songs together, and it would be neither an Austin record nor an Irish record, we were just trying to create something beautiful. Joe Gracey recorded and Gabe Rhodes co-produced the album. It’s one I really like. But it takes an album a year to come out after it’s recorded, and the music world had changed by then, the radio had changed. Songs I thought could have been big hits weren’t getting radio exposure. That was a crossroads. You had to ask yourself, do you change what you do to keep having hits? Or do you try to hone what it is you think is good about what you do? I took the latter. But today, we are performing artists. If you had asked me ten years ago, I would have said I’m a songwriter who tours.

That’s how the music industry has changed.
It has. But part of your job as an artist is to keep evolving. I don’t want to sit and hope for one big hit. On this tour, we’ve far more reviews and coverage because the show speaks for itself – it does when people are ready to hear it. You can’t rush that. If you ask me what’s the most successful song I’ve written, I would say it’s Reasons To Leave. I played shows in New Zealand, Australia and Chicago where the whole room knew that song. How did that happen? I don’t need to know the answer, all I need to know is that it did and that it can happen again. I became more Zen-like about how songs get out into the world. They just do.

Your live shows are known for being a lot about songs, but also about stories, anecdotes, background info. The art of storytelling seems to be a bit of an Irish craft. Do you think it’s crucial to connect with your audience?
I do. The artists I admire – I mentioned Christy Moore earlier – are great performers because they realise that the part of you that’s on stage has to be a real you, or maybe an amplified version of you. The whole thing comes from a position of respect for your audience, and gratitude for the fact that they bought a ticket, got a babysitter and traveled to get to your show. It’s a beautiful thing. But you can go too far and become a cliché or a pastiche of what you actually are. We all walk that line. Your show stands and falls by the energy that you can bring to it.

Is that easier to achieve when you’re a solo performer as opposed to playing with a band?
No, it depends on the type of artist you are. I’m enjoying the spontaneity of solo shows. Spontaneity can work, or it can go disastrously wrong. If you’re prepared to walk that high wire and to fall off sometimes, you get the rewards of it. I like to fill the audience in on the background of songs. I like to have a bit of craic with them; a thing that the Irish do naturally. It comes from a history of small communities where entertainment was about people talking to each other and meeting up. It comes from a place where community was valued.

Did being a lawyer help to survive in the music industry?
Yes and no. Everything helps. Coming from a big family in Ireland helps. Doing law helps. Running away and living in Germany for a year and being a busker helps. Going back home again and trying to raise money to make an album helps. Everything counts. Even if it was a wrong turn and you turned back, you actually haven’t really turned back, you’ve gathered some stuff along the way that gives you more ammunition for later. Without being coy about it, it’s no harm to be a lawyer. And I practiced in intellectual property, so copyrights and trademarks are my area of expertise.

Was that what motivated you to have your own label?
No. It didn’t come from a business point of view. It came from getting to a point where I was tired of trying to persuade other people to believe in something I believed in. I had that piece of paper that allowed me to walk into a bank and get the money because I knew how to play the game a little. The most important thing that legal education did for me was that it gave me discipline. You need that discipline as a songwriter… it’s a big part of what it takes. Part of the discipline is also inherited. All of my family are hard working, all of my friends are hard working.

You have 14 siblings, is that right?
I do. I’m the tenth of 15. My parents knew that keeping us busy meant keeping us out of trouble. There’s a time for dreaming and there’s a time for working hard. As a songwriter, if you allow room in your life for inspiration and for dreaming, and you recognize and craft them, you’ve got a real song. That’s what great songs are. They’ve got magic and craft. But you can’t force inspiration. And that’s the bottom line.

You sound very balanced…
It changes. Like everyone, I get frustrated with things that don’t happen quickly enough. You have to realise that where something’s at today is the best it can be today, and tomorrow is another day. I’m a big believer in making every day as beautiful as I can make it. And that’s part of being an artist as well.

Hansard eröffnet das Set mit Leonard Cohen’s Bird On The Wire. Die Hommage an den kürzlich verstorbenen Großmeister wird nicht die letzte des Abends bleiben, aber zunächst folgt eine Auswahl von Hansards aktuellem Studioalbum “Didn’t He Ramble”. Just To Be The One, das heitere, dylanesque Winning Streak und My Little Ruin geben einen Vorgeschmack auf dessen eindrucksvolle musikalische Bandbreite, die von den Musikern eins zu eins in Liveversionen übersetzt wird. Das stürmische irische Jig-Finale von McCormack’s Wall koexistiert friedlich mit: groovigen Big Band-Klängen von Curtis Fowlkes an der Posaune und seinen Kollegen an Saxophon und Trompete, den Gewitterstürmen, die Hansard und seine Tourneepianistin auf dem Klavier entfesseln, orchestralen Streicher-Parts, dem Van Morrison-beeinflussten Celtic Soul-Gefühl des Titelsongs und der easy listening-Gelassenheit von Wedding Ring, die irgendwo knapp vor Neil Diamond-Territorium haltmacht.

Zeit zum Luftholen? Oder um den Anschnallgurt anzulegen? Nicht vorgesehen. Willkommen in Glens Achterbahn. Eine derartige tour de force könnte, müsste erschöpfend sein, und die Platte wurde von grantigen Kritik-Eminenzen schon mal “überproduziert” gescholten. Faszinierenderweise trifft beides nicht zu. Teilweise, weil sämtliche noch so unterschiedlichen musikalischen Galaxien, in die Didn’t He Ramble vordringt, eisern von Hansards Gesang zusammengehalten werden, der vom gutturalem Wolfsknurren über kratzige, resignierte Klagen bis ins sanfte, tröstende Flüstern oszilliert. Teilweise, weil der vollkommene Einklang und die sprühende Spielfreude der Band – höchstens Bruce Springsteen und die E-Street- Band sind fähig, Vergleichbares abzuliefern – so unglaublich anstecken. Hansards Gabe, ein Publikum mit sich zu reißen sucht ihresgleichen, und er und seine Musiker setzen ihre Zuhörer so etwas wie dem Borg-Angriff unter den Live-Konzerten aus: Widerstand ist zwecklos. Diese Leute haben eine Mission. Die Trommel mit dem Schriftzug SAVE A SOUL steht schließlich nicht zum Spaß auf der Bühne.

Als Hansard sein bereits jetzt nach Luft schnappendes Publikum nach den ersten sechs Songs zum ersten Mal direkt adressiert, tut er es mit einem flapsigen deutschen “Alles klar?” In die sich anschließenden Lacher und Zurufe serviert er ebenso trocken die erste Anekdote des Abends. Die Szene könnte John Dos Passos‘ “Manhattan Transfer” oder dem New York-Kultstreifen “Smoke” entnommen sein: Hansard und Kollegen hängen in einer New Yorker Bar ab und verlieben sich allesamt in Barkeeperin Renata – “die in allem immer Recht hatte”, wie er ausführt, “Barkeeperinnen haben einfach keine Zeit für dummes Zeug.” Als ein betrunkener Hansard und einer seiner Konkurrenten in Habachtstellung auf etwas Zeit mit der Angebeteten lauern (“er wartete wahrscheinlich darauf, dass ich endlich abhaue. Ich wartete definitiv darauf, dass er endlich abhaut. Sie wartete darauf, dass wir beide abhauten. (…) Und dann fragte er, ‚bist du nicht der Typ aus “Once”, der diesen ganzen romantischen Scheiß schreibt?‘) endet der Abend damit, dass der Troubadour dem romantischen Rivalen zu seiner eigenen Überraschung einen Song schreibt, um das Herz der gemeinsamen Geliebten zu erobern.

Ob die charmante Geschichte nun wahr oder dem Reich der Bühnenfiktion entlehnt ist: dem Song Renata war es nicht vergönnt, seine Heldin zu erweichen (“er hat ihn gesungen, ich habe Gitarre gespielt, und sie hat uns beide rausgeschmissen.”) Die Erfahrung hat Hansard offensichtlich nicht entmutigt, weiter romantische (wenn auch zweifelnde) Songs zu schreiben, wie er gleich danach mit Wedding Ring unter Beweis stellt. Von da begibt er sich übergangslos in politisches Fahrwasser, als er seinen Zuhörern Woody Guthries selten gespielte Perle Vigilante Man präsentiert, nicht ohne darauf hinzuweisen, dass der verstorbene Vater des politischen Folk sich seitenweise über Donald Trumps Vater Fred ausließ.

Liebe und Respekt für andere Künstler ziehen sich durch das ganze Set. Das Publikum darf einer Bande Musiknerds in ihrem Element zuschauen, die den Abend selber am meisten zu genießen scheint. Der dreckige, bluesige Groove von Hansards Lowly Deserter mündet in ein Zitat des berühmten Doors-Covers von Brecht/Weills Alabama Song. Prince wird mit einem funkensprühenden Cover von Kiss geehrt. Zwischendurch schmuggelt Hansard O’Shaugnessys berühmte Worte “We are the music makers/And we are the dreamers of dreams” ins Frames-Original Star Star, bevor er das Publikum endlich vom Warten auf Falling Slowly erlöst.

Wer denkt, der Abend könne nicht noch emotionaler werden, wird eines besseren belehrt, als zwei ausgedehnte Zugaben zum Cohen-Tributeset werden. Mit Who By Fire, Famous Blue Raincoat und So Long, Marianne beschwört Hansards Stimme die schmerzhaft vermisste Legende, und es ist herzzerbrechend und tröstend zugleich, wie sehr er sich in manchen Augenblicken an Cohen annähern kann. Der intensive, gemeinsame Moment von Trauer und Gedenken lässt niemanden unberührt. Mit auf der Bühne steht Cohens langjähriger musikalischer und persönlicher Wegbegleiter Javier Mas, dessen Laute noch zum überwältigenden Eindruck von Präsenz beiträgt. Gemeinsam erzeugen die Musiker schwer in Worte zu fassende Augenblicke voller Hoffnung und Transzendenz. Es bleibt ihr Geheimnis, wie ihnen das mit Anmut und Würde gelingt; wie sie es schaffen, den emotionalen Moment nicht ins Sentimentale kippen zu lassen und wie sie geschickt die ganzen Ozeane voller Pathos und Kitsch umschiffen, in denen weniger respekt- und taktvolle Performer die Magie dieser Momente ertränkt hätten.

Als das Publikum – aufgewühlt, glücklich, traurig und getröstet, alles auf einmal – sich allmählich auf die Ausgänge zubewegt, taucht die Band plötzlich in der Mitte der Arena auf und zieht, jetzt unverstärkt, alle verbliebenen Besucher in eine gemeinsame Darbietung von Passing Through, den Cohen einst berühmt machte. Gesang, klatschende Hände, stampfende Füße, schnipsende Finger setzen das letzte Ausrufezeichen hinter das starke Zusammengehörigkeitsgefühl des Abends.

Glen Hansards Liveauftritte zählen zu den besten, die es im Moment zu erleben gibt. Mühelos und geschmeidig überbrückt er die Distanz zwischen Aufführenden und Zuhörern. Unter seiner Führung entsteht eine große, warme, vibrierende Blase aus Musik, Emotionen und Gemeinsamkeit, die während des Abends alle Stadien von “sometimes happy, sometimes blue” durchläuft. Hansard hat es von den Straßen Dublins auf die größten Bühnen der Welt geschafft – aber dort hat er die Kunst, seine Zuhörer mitzunehmen, gelernt und zur Perfektion gebracht.

Blackberry Time beschwört eine flüchtigen Begegnung mit einer Frau, die auf einer Radtour nicht etwa bloß ans Ziel kommen wollte, sondern sich Zeit nahm für die kleinen Dinge am Wegesrand nahm. Es ist eine berührende und zutiefst persönliche Erinnerung, doch Luka Bloom wird die nächsten zwei Stunden zeigen, dass seine Songs auch vor Geschichte, Politik und Gesellschaft keinen Halt machen. Er besingt die Hungersnot, die unzählige Iren in die Emigration trieb. Er beleuchtet den Fall des inhaftierten indianischen Aktivisten Leonard Peltier. Und er setzt in Frúgalisto, dem titelgebenden Song seines neuen Albums und seiner aktuellen Tour, all jenen ein Denkmal, die gegen den allgegenwärtigen Konsumzwang Gemüse anbauen. Bloom findet Worte und Harmonien für alles, was ihm wichtig ist.

Ein Mann, seine Gitarre und Geschichten. Mehr braucht Luka Bloom nicht, um das Publikum den Abend über in seinen Bann zu ziehen. Freude und Nachdenklichkeit verpackt in musikalisches Können und Unterhaltungskunst ziehen sich durch das gesamte Set, das der Künstler ohne Pause präsentiert. In eine musikalisch aktive Familie hineingeboren, schrieb Bloom viele seiner “old man”-Songs in sehr jungen Jahren. In diese Kategorie fällt Wave Up To The Shore, eine eindringliche Ballade über den Kreislauf von Leben und Tod. 44 Jahre habe er gebraucht, um “die Stimme für dieses Lied zu finden”, aber das Ergebnis rechtfertigt die lange Reifezeit allemal. Der 16 Jahre alte Bloom schrieb den Song, der 60-jährige Mann nahm ihn endlich auf – und der macht im Übrigen kein Geheimnis daraus, wie viele Vorteile er im Älterwerden sieht.

Luka Bloom hat sie hinter sich gelassen, die Versuche, zu imponieren und tough zu sein. Heute begrüßt er Verletzlichkeit, ein Wort, das er von seinem Publikum in Stuttgart auf Deutsch gelernt hat, als Katalysator für Kreativität – “dann fängt man an, die Dinge richtig zu tun.” Warrior ist ein eindrucksvoller Appell zu diesem Thema: “Wenn du ein Krieger sein willst, solltest du besser lernen, zu weinen.” Zweifellos hat Bloom den “sweeter groove” gefunden, den der Song allen verspricht, die weniger auf Coolness und mehr auf Ehrlichkeit setzen.

Auch außerhalb seiner Songs trägt er das Herz auf der Zunge. “Ich hasse Workshops. Da muss man morgens um neun in einem Zelt sein und über Songwriting reden,” gesteht der Musiker. Ein Workshop beim dänischen Tønder-Festival, bei dem auch Arlo Guthrie sprach, sei es allerdings wert gewesen, den Wecker zu stellen. Guthries Zusammenfassung zum Thema Songwriting enthält Luka Bloom seinem Publikum nicht vor: “Das ist wie beim Angeln. Du wirfst die Angelschnur aus, holst sie langsam ein und hoffst, dass ein dicker Fisch am Haken hängt. Und du darfst nie flussabwärts von Bob Dylan fischen, denn der fängt die Besten, und er schmeisst niemals einen zurück ins Wasser.”

Luka Blooms Publikum zählt zu der Sorte, die die Arbeit eines Künstlers über lange Zeit verfolgt und im Zweifelsfall textsicher ist. Während er seinen Zuhörern vor allem eine erlesene Auswahl der besten Songs von Frúgalisto kredenzt, ist ihm klar, dass sie sich nicht ohne ein paar seiner Klassiker zufriedengeben werden. Songs wie The City of Chicago und You Couldn’t Have Come At A Better Time werden gleich bei den ersten paar Akkorden erkannt und begrüßt wie alte Freunde. Als am Ende des Abends alle begeistert mitsingen, wird das, was Bloom beim Schreiben und Spielen antreibt, greifbare Wirklichkeit: “Ich will niemanden mehr beeindrucken. Ich will aus meinem Herzen zu euren singen.”

(Q) Im Lauf Ihrer Karriere haben Sie eine beeindruckende Zahl von Studioalben vorgelegt. Im Zeitalter der digitalen Musikdistribution neigen Hörer verstärkt dazu, einzelne Tracks statt ganzer Alben zu konsumieren. Hat das Albums als stimmiges Ganzes damit bald ausgedient?

(A) Ob CD oder Vinyl, für mich sind Platten nach wie vor die erste Wahl, um meine Arbeit im Wortsinn greifbar zu machen. Ich glaube noch immer an die haptische Erfahrung, das gepresste Produkt in der Hand zu halten. Darin manifestiert sich ja auch auf ganz konkrete und taktile Weise ein Zeitraum, den ein Künstler oder eine Band damit zugebracht haben, dieses Werk vorzubereiten und schließlich umzusetzen. Daran wird sich für mich nichts ändern. Die Schwarzmaler, die den Tod des Albums beschwören, können mich mal.

(Q) Was hat Sie veranlasst, unabhängig zu werden, als Sie schon bei großen und einflussreichen Labels unter Vertrag standen? Was hat das für Ihre Musik und für Ihre Karriere bedeutet?

(A) Meine letzte Erfahrung mit einem Plattendeal fand im Jahr 1998 mit Sony und meinem damaligen Album Salty Heaven statt. Die haben mich für ein Jahr buchstäblich zerlegt. Ich war vollkommen am Boden zerstört über die kalte und berechnende Art, mit der sie mich fallen ließen. Es gab kein Gespräch, keine Erklärung. Sie haben sich sang- und klanglos verabschiedet, nachdem ganze zwei Jahre meines Lebens in dieses Album geflossen waren, in das ich so viel von mir gesteckt hatte. Aber sie haben mir damit einen Riesengefallen getan. Ich habe danach feierlich geschworen, unter keinen Umständen je wieder die Rechte an meiner Arbeit an eine Plattenfirma abzutreten. Die ganz großen in der Branche sind übel, sozusagen die Entsprechung von McDonald’s in der Musikwelt. Seit 1999 habe ich elf Alben auf meinem eigenen kleinen Label Big Sky herausgebracht und über www.lukabloom.com vertrieben. Ich liebe jede einzelne dieser Aufnahmen, und sie gehören mir.

(Q) Ihre Empfehlung an die Hörer von Frúgalisto lautet, “hört es euch einfach an und findet raus, was die Songs für euch bedeuten”. Für mich gehören ‚Lowlands Brothers‘ und ‚Australia‘ zu den eindringlichsten Tracks. Was bedeuten diese beiden Songs für Sie?

(A) Was ‚Lowlands Brothers‘ betrifft: der Onkel meiner Mutter, Joe Sheeran, starb im Ersten Weltkrieg. Ich wurde von einer Organisation, die sich dem Gedenken an den Ersten Weltkrieg in Flandern verschrieben hat, um Beiträge zu einer Konzertreihe im Jahr 2014 gebeten. ‚Lowlands Brothers‘ habe ich also für den Onkel meiner Mutter und für alle Iren, die auf den Schlachtfeldern des Ersten Weltkrieges gefallen sind, geschrieben. Australien liebe ich einfach sehr. Abgesehen von Irland ist das der einzige Ort auf der Welt, den ich je vermisse. Ich fahre da seit 1992 hin, alle anderthalb Jahre oder so. Ich habe viele Freunde in Australien und fühle eine tiefe Verbundenheit mit dem Land.

(Q) A propos vermissen: Sie haben das Land Ihrer Geburt verlassen und zuerst in den Niederlanden, dann in den USA gelebt. Was bedeutet Heimat heute für Sie? Mit ‚Homeplace‘ haben Sie ja auch eine Sammlung von Schnappschüssen und Notizen über das Leben auf Tour veröffentlicht…

(A) ‘Heimat ist ein Ort in mir, ich nehme ihn mit. Ich treffe mein Volk, wo immer ich bin’. So heißt es in meinem Song ‚Tribe‘. Wenn du Sänger bist, triffst du deinen Stamm jeden Abend, an dem du singst. Mein Zuhause sind heute meine Songs. Ich liebe es, in Irland zu leben, aber Staatsangehörigkeiten sind ohne Bedeutung für mich. Wir hängen sowieso alle gemeinsam drin. Nationalität und Religion langweilen mich, genau so wie alles andere, was uns unsere gemeinsame Menschlichkeit vergessen lässt. Was übrig bleibt, wenn wir Religion und Nationalstaat mal außen vor lassen, sind wir. Und die Erde. Es gibt zu viel zu tun.

(Q) Sie haben so unterschiedliche Songs wie ABBA’s ‚Dancing Queen‘, Bob Marley’s ‚Natural Mystic‘ und LL Cool J’s ‚I Need Love‘ gecovert und dabei Stile von Pop und Rock über Reggae bis Hip Hop abgedeckt. Sehr viel gute Musik entsteht, weil Künstler der Idee “Genre” ein gesundes Maß an Respektlosigkeit entgegen bringen und Schubladendenken ablehnen…

(A) Das Etikett “Folksänger” ist für mich keine Beleidigung, aber ich möchte nicht darüber definiert oder darauf reduziert werden. Wenn das Orchester deiner Wahl eine sechssaitige Gitarre ist, ist es eine ziemliche Herausforderung, frisch zu bleiben. Ich stehe niemals still. Ich höre mir grundsätzlich keine Singer-Songwriter an. Meine Vorstellung von der Hölle ist eine Komfortzone. Ich höre mir völlig durchgeknalltes Zeug an, von dem sonst kein Mensch je gehört hat. So etwas aktiv aufzusuchen hält mich frisch, und es befeuert die Angst. Ich muss mich fürchten. Sonst ist mir langweilig.

(Q) Eine ganz schlichte Frage: welche Platte haben Sie als letztes gekauft? Können Sie sie empfehlen?

(A) Ich weiß es gar nicht mehr. Ich kaufe meistens ECM-Aufnahmen. Für mich das beste Label der Welt. Die Keith-Jarrett-Aufnahmen, Anouar Brahem, es gibt so viele Künstler, die ich ohne ECM gar nicht kennen würde. Ich LIEBE dieses Label. Es ist witzig, aber deswegen liebe ich auch Deutschland noch mehr, weil ich weiß, dass sehr viele von euch auch ECM-Aufnahmen kaufen. Ich kaufe Platten von Leuten, über die ich absolut nichts weiß. Ungefähr 50% davon kann ich nicht ausstehen, aber diejenigen die ich liebe, liebe ich für immer.

(Q) Mit ‚Section 31‘ haben Sie einen Song geschrieben, der in Irland verboten wurde. Was hatte es damit auf sich? Und, um auf einen ganz alten Disput zwischen Künstlern zu kommen: sind Songs eine politische Kunst? Sollten Sie das sein? Können Songs die Welt ändern?

(A) ‚Section 31‘ habe ich in den Siebzigern geschrieben, aus Protest gegen die bizarre Entscheidung der irischen Regierung, alle republikanischen Aktivisten aus dem nationalen Radio und Fernsehen zu verbannen. Stattdessen wurden Schauspieler eingesetzt, um deren Aussagen für Nachrichtensendungen wiederzugeben. Es war absurd, und es war ein bisschen faschistisch. Mein Bruder Christy, Gott segne ihn, hat den Song aufgenommen. Die einzige Verantwortung von Songwritern besteht darin, sich selbst treu zu bleiben. Es gibt nichts Schlimmeres als Künstler, die irgendetwas Politisches schreiben, weil sie sich dazu verpflichtet fühlen. Das ist in der Regel erstens durchschaubar und zweitens Müll. Wenn mir etwas wirklich unter die Haut geht, weil es einfach falsch und ungerecht ist, gebe ich mein Bestes, um darauf zu reagieren. Manchmal funktioniert das und manchmal nicht. Dass Songs die Macht haben die Welt zu verändern, glaube ich nicht, und ich empfinde das oft als sehr anmaßende, wichtigtuerische und aufgeblasene Vorstellung. Was Songs aber sehr wohl können ist, einzelnen Menschen das Leben zu retten. Vermutlich haben sie meins gerettet. Wenn ein Song, den ich schreibe, das Herz von jemandem berührt, dann ist das ein politischer Erfolg, der meine wildesten Träume übersteigt.

Luka Bloom: The Frúgalisto Tour. Sa, 29.10.16, 20:00 Uhr: Columbia Theater,
Columbiadamm 9-11, 10965 Berlin. Weitere Informationen zum Künstler unter www.lukabloom.com.

The melancholy and uneasiness are still tangible in the theater as the end credits of “I Used To Live Here” roll. Frank Barry’s award winning film is a fiercely powerful drama about a 13 year old coming to terms with her mother’s death while experiencing the temptation of suicide after witnessing the sympathy shown for a local suicide victim.

Tonight’s audience at Shebeen Flick are in for one more walk in the shadowland of embracing life while coping with loss and death as the feature is followed by Simon Fagan’s and Eric Tiedt’s animated music video “Lost To The Deep”, in which the protagonist confronts the loss of loved ones through his inner mind.

Almost invariably evoking associations with current migration movements and lives lost to the sea in search of survival and refuge, Fagan’s beautifully crafted singer-songwriter piece lyrically addresses reality, fantasy, life and death – a topic which Tiedt’s over 600 touching hand-drawn scenes from a world under the surface of the ocean illustrates in an intense and haunting way.

After treating Shebeen Flick visitors to a Q&A as well as a life performance by Simon, both artists and festival director Fernanda Parente were up for a spontaneous chat with ICE Berlin.

Q: Fernanda, how did you become aware of this project and that it should be shown in a festival environment?

F: I was at another event where Simon was performing alongside the video, and as soon as I saw it, I fell in love with the images and the music. It won an award in Cork, and I thought it was very cinematic and that it would be nice to show it to more people in a proper kind of cinema environment on the big screen.

Q: Simon and Eric, I understand this was your first music video co-operation. Have you worked on any projects before this?

S: No, we just met through a friend and didn’t know each other before this. It’s our first collaboration. I’m trying to convince him to do more.

E: Maybe.

Q: We would love to see more.

E: I’m currently working on another animation project that will take around two years to complete. There will be 3D and 2D involved, so it’s a bit of a change of technique.

Q: How was the idea born that the music video for “Lost To The Deep” should be an animation? Was that because of your collaboration, or did you have that in mind from the start ?

S: No, I wanted to do an animation for this.

Q: Did you have a particular inspiration for that? There’s lots of great animated music videos, like Michel Gondry’s White Stripes video is one that comes to mind for example.

S: I think when you talk about syncing music and animation at the top of the bill is probably Damon Albarn’s and Jamie Hewletts Gorillaz videos. That is the benchmark, that kind of stuff.

Q: Since this is an interview for Irish Culture Events Berlin, we’re interested in your reasons to come to Berlin. What does that journey mean for you – being an Irish musician in Berlin and what made you choose the city over other places?

S: I came here after having toured the last record, so I was on the road for 18 months. And the last gig I played was in Cologne, and I decided not to go back to Ireland and come to Berlin. I came to Berlin very sporadically with a guitar and a rucksack and 500 Euro and stayed in Rosenthaler Platz hostel for ten days. Then I went out busking in the streets, managed to get an apartment and just started building a new thing here. Why I came here? I needed change, things weren’t really moving in Ireland. So Berlin – why not?

Q: What do you think so far? What kind of surrounding is Berlin for music in particular and Irish music specifically?

S: Berlin is a tough place. It’s a tough place particularly as a musician because – let’s face it, it’s probably one of the poorest capital cities of Europe. There’s lots of artists. It’s a great place to come to and create something. As an artist it’s important to move outside the city, in the rest of Europe or America or wherever. So Berlin is an amazing place to create something, because it’s the low cost of living that gives the opportunity to actually…

[At this point, he is interrupted by a street musician with an accordion who appeared like on cue and can’t be convinced to stop during the rest of the conversation]

F: That’s Berlin now.

S:… play.

Q: What about your work, Eric? You’re an animation film maker, so you know what it means to be an artist in Berlin.

E: Well, at the moment, yes. I’ve been making illustrations for many years. Three years ago I decided to make animations, to try a new thing and develop new skills. So right now it’s that, but who knows, in the future it might be painting. It’s open, so I don’t really now yet, and that is possible here. But for now it’s animation. In animation you have to do everything. You have to act, you have to direct, you have to write stories. That’s why I’m into it.

Q: Is this your first music video project? What is your perspective on that? Is it something you want to explore more?

E: I made three videos in the last five years. But it takes a lot of time, so maybe one video each year…

Q: What exactly is the technique you’re using? You said earlier in the Q&A you were drawing over 600 sheets for “Lost To The Deep”.

E: For this one, yes. But in the future I will do more animated stuff working directly on the computer. It’s a lot easier, and you can correct more. You lose a bit of feeling without paper, but at the end of the day you have a lot of advantages.

Q: Same question as to Simon, any artists you find inspiring or that you would consider influences on your work?

E: Hard to say. When it comes to animation, Japanese artists of course, like Miyazaki. But I only just came into animation. It’s not like I’ve been wanting to do this since I was a child. Somehow I got there and right now I want to do that. Someday I might want to write. I don’t know.

Q: This question goes to you, Fernanda. You said you fell in love with this particular video and wanted to give it a cinema setting. Will there be more music videos by Irish artists at the festival? Music videos are still a bit of a sub-genre after all those years of MTV. Screening them at festivals and in cinemas in general more would probably open up new audiences.

F: Maybe, yes. But for me there is no difference between a short film and a music video. I think the work that goes into the visuals and the sounds, if it’s music or dialogue, it doesn’t make a difference. I like the possibilities of festivals. One of the things I try to do is value short films by pairing them with feature films that have – well, maybe a certain tone, or mood, or running theme. At big film festivals, that is definitely a harder task because the short films get a bit forgotten. They get all bundled together in one programme, they might have very different styles and moods, and I think it’s hard to absorb. If you talk to the press, everybody’s generally more interested in the feature films. So I like highlighting just one short film with a feature because they have something in common. And in this case, it is a certain mood, a certain experience.

Q: That would have been my next, and last question. What was the motivation to put these two movies together?

F: I think both films deal with the idea of loss. There is a melancholic thing about both of them that made me think they would fit together. But you know, for me, it didn’t make a difference if it was a music video or a traditional short film. I think they go well together.

Q: I think they both where a lot about the feeling of being displaced and disoriented as well. In all sorts of ways, geographically, emotionally – growing up, being under water… So for me it was not only about loss but about being lost as well.

F: You guys think they worked together?

S: I think they worked extremely well together, it was a very great arrangement.

“Lost To The Deep” can be viewed on Simon Fagan’s official website. The song is part of his latest record Gilded Bird, which is also his first to be recorded and produced in Berlin.